Manteniendo un misterioso lowprofile me encuentro un Flickr peculiar, sin especificar si es un hombre, una mujer o un colectivo, 9000 muestra una basta colección de diseños, cargados de ironía, crítica, musicalidad, poesía, filosofía y una estética proveniente de la mezcla de la cultura pop con imágenes de esquemas científicos y antiguos afiches.
Unido a esta red en 2005, el perfil se ha mantenido activo publicando imágenes con mucha frecuencia, casi a diario, 624 elementos hasta hoy. Es un misterio que ha creado intriga a muchos de sus miles de seguidores. No da entrevistas, ni quiere participar en exposiciones, ni vende sus diseños, simplemente dice ahí lo que tiene que decir sin importarle la repercusión y el reconocimiento que su arte conlleve.

Entre sus muchas imágenes hay una constante: juega con los títulos y con frases que se integran en la composición, en otros casos hay largas disertaciones a pie de página, algunos de estos textos provienen de canciones, films, rezos religiosos satirizados o simplemente poemas. En otros casos utiliza imágenes esquemáticas que resultan bastante ingeniosas, sustituyendo los contenidos originales por juegos de palabras.
Lo realmente interesante de este perfil es la gran cantidad de referencias reutilizadas de una manera suprema, sin mencionar el buen sentido del humor con el que se retoman.
Vive en Los Ángeles, pero muchos de sus diseños tienen referencias con frases coloquiales usadas por la juventud colombiana, y varias alusiones a la cumbia, la cuestión del género me parece que es irrelevante en este caso (pero si me preguntan yo creo que es una chica).
Hay que resaltar que este tipo de plataformas como el Flickr o Twitter ayudan a descentralizar el sistema del arte contemporáneo, muy monopolizado por lo establecido, las galerías, los museos y sobre todo el mercado, entonces ejemplos como éste nos dan un poco de aire fresco y una sensación de que siempre se puede ser un outsider del arte y crear cosas increíbles que generan ecos en todo el mundo.
En fin, muchos aplausos a estas obras inteligentes y de diseño impecable, otros más a la actitud del anonimato.

El Internet y su diseño van cambiando y evolucionando constantemente, la forma de diseñar hace cinco años no es la misma de hoy, como en un post anterior lo comentaba: Tendencias del diseño web, pero existe el hecho de que algunos diseñadores han planteado incluso ciertos estilos para aplicarlos en esta nueva plataforma. Por ejemplo, en Web 2.0 How-to design guide el autor (Ben Hunt) expone ciertos puntos que se deben adoptar para diseñar sitios basados en web 2.0. La simplicidad, el uso de menos columnas, contenidos mejor seccionados, colores contrastantes, degradados, iconos directos, tamaños de texto, logotipos en bold, etcétera. En realidad parece más bien la descripción de la moda en el diseño web e intenta bautizarla como “el diseño” para web 2.0. Lo de hoy es utilizar, como estrategia mercadológica, el diseño estilo web 2.0. De la misma manera, en web designer depot, escrito por Josh Sears, también sugiere que el diseño esté basado en la usabilidad de los sitios y, por lo tanto, diseñar en función de las necesidades del contenido: directo y sencillo. Aquí analiza y compara la forma tradicional de diseñar interfaces con la nueva tendencia donde el principal objetivo es “organizar el caos y simplificar lo complejo”.

Lo que está sucediendo con el diseño web va más allá que una serie de reglas gráficas que están de moda. Si tenemos un espacio donde el usuario es el creador de contenidos y comparte información, lo mismo debe ocurrir con el diseño. Pero al compartir diferentes plantillas para gestores de contenidos, como joomla! o wordpress, que tienen la misma estructura de secciones: diseño centrado en la pantalla, un menú principal en la parte superior, menú secundario de forma horizontal o vertical y columnas para los contenidos, su estructura se adapta a cualquier tipo de información. Lo que me sorprende no es la fórmula de estas estructuras sino que los usuarios han estado perfeccionando el uso de la herramienta de programación y diseño, pero sólo ofrecen propuestas repetitivas e imitativas donde el atractivo es realizar botones, iconos, logos e imágenes generados con CCS para después insertarlas en una página. Esto ha provocado entre los diseñadores una sensación de incertidumbre sobre el valor de un diseño.

Como diseñadora no creo que se esté realizando un modelo de diseño para web 2.0, ya que si así fuera tendría que ser un diseño generado entre varias personas, lo cual he visto en ciertas propuestas como en Layer Tennis HQ donde un diseño es modificado y enviado a su contrincante de juego, para que también le haga alguna modificación y se lo regrese. En este caso existe un diseño compartido pero es jugado por personas con conocimiento en diseño y edición. Por lo tanto, si tuviera que plantearse esta idea a la web 2.0 tendría que ser un solo diseño generado por varias personas y yo creo que fácilmente puede volverse un caos, dado que se requieren conocimientos en composición (forma, color, tipografía), diseño de interfaz, usabilidad y arquitectura de la información. De la misma forma que ha sucedido en muchas de las aplicaciones generadas para la web 2.0, en las que las mejores son aquellas realizadas por programadores o personas con altos conocimientos de programación. Por lo mismo, el diseño planteado como diseño web 2.0, sólo es una de las características del diseño actual  y que, a partir del concepto de usabilidad, se fundamenta en la necesidad de presentar a través del diseño un contenido de forma sencilla y directa pero no es diseño para web 2.0 faltan más propuestas o ustedes ¿qué creen?.

Actualmente, para que las personas se puedan comunicar en Internet, siempre será necesaria una interfaz gráfica. Un área de comunicación donde sea posible interactuar a través de diferentes herramientas de comunicación. Estas herramientas –como los códigos lingüísticos, visuales, sonoros y secuenciales– han sido adaptadas a lo largo del tiempo a partir de las necesidades del usuario y de la tecnología imperante. Por lo tanto, en Internet el estilo de la interfaz gráfica se adapta y evoluciona de igual manera, para que así todos los elementos visuales aplicados en la interfaz ilustren de forma correcta el mensaje y transmitan la información apropiadamente.

Por lo general los nuevos estilos de diseño de interfaz gráfica buscarán conceptos como frescura, modernidad, estabilidad, flexibilidad, agudeza e inteligencia en sus herramientas. Puesto que éstas están pensadas para facilitar la comunicación y participación del usuario con el medio. Sin embargo, algunos estilos vuelven a ser retomados para “modernizar” el sitio al usar un diseño retro. Hay que considerar que el estilo está influenciado por la cultura en que se desarrolla el diseño, como plantea Daniel Prieto, en Diseño y Comunicación (1994: 32): “la formación social en que se encuentre el diseñador hace que los procesos de creación difieran, no existe un proceso válido para todos por lo cual tenemos alternativas de elaboración, distribución y uso de los diseños”. Esto podemos verle al confrontar un diseño oriental como Art and Design, en el que su diseño es muy limpio, con B.N.WEISS creado desde la cultura occidental y donde se retoma la textura.

A continuación hago una recapitulación de las tendencias del diseño, aunque comenzará desde el 2006 puesto que ejemplos de años anteriores ya no se encuentran tan fácilmente, dada la constante renovación del diseño en los sitios web.

Tendencia del diseño:

2006

• Uso de degradados
• Backgrounds en diagonal
• Tipografías de gran tamaño
• Backgrounds blancos
• Efecto de reflejo en el piso
• Tipografías con pixeles acentuados

2007

• Uso de caricaturas y mascotas
• Estilo galigoreado
• Bordes rotos
• Iconos RSS grandes
• Textura
• Fondos oscuros para realzar los colores

2008

• Estilo retro
• Notas sobre el diseño (post-it)
• Grungy
• Manchas de tinta
• Ilustración de acuarela
• Collage
• Tipografía manuscrita
• Tipografía grande
• Imagen con patrón de madera
• Imagen con patrón en zig-zag

2009

• Letras grabadas en relieve
• Colores en ondas y brillantes
• Transparencias
• Letras grandes
• Diseño sin áreas delimitadas o fueras de los márgenes
• Uso de lightboxes y no pop-up
• Áreas de medios visuales
• Realismo de imágenes de fondos
• Espacios blancos más grandes
• Elementos de diseño con redes sociales

Sin embargo, el tema del color también puede abordarse desde diversos enfoques y volverse muy extenso. Esto debido a que se puede estudiar desde el aspecto físico: el cual se comprende a través del círculo cromático y así entender porque se tienen colores primarios, secundarios y terciarios o bien comprender sus tres dimensiones físicas: saturación, brillantez y tono. Del mismo modo, se puede plantear un acercamiento al color desde la perspectiva de los efectos sensitivos y psicológicos que se perciben con la combinación de ciertos colores. Siguiendo estos temas, y algunos más, quiero compartirles algunas ligas que me han sido muy útiles para entenderlos. De este modo espero que les sirvan para aplicar enfoques más precisos al momento de usar los colores de acuerdo a una temática que se vaya a manejar:

Teoría del color

• Teoría del color
• Guía básica para la combinación de colores
• Selección de colores armónicos
• Colores HTML

Psicología del color

• Significado de los colores
• Importancia y significado del color

Herramientas para combinación de colores

• Web color chart
• Color Écheme Designer
• Color palette generator
• 9 colorful rust textures
• Colourlovers
• ColorJack
• Colormixers

La comunicación visual comprende todo aquello externo que ve el individuo. Por lo cual, B. Munari la divide a su vez en dos clases: casual e intencional. La comunicación casual es aquella que se interpreta libremente y existe de manera natural y la comunicación intencional es aquella que fue generada con un significado concreto para que el público pueda interpretar el mensaje de una forma determinada. La parte fundamental del diseño es la manera como se va transmitir el mensaje, para lo cual los estudios de Munari dividen el mensaje en dos partes: la información que lleva el mensaje y el soporte visual. El soporte visual son aquellos elementos visuales que se deben usar en conjunto y con mayor coherencia para la transmisión del mensaje como son la textura, la forma, la estructura, el módulo y el movimiento.

La comunicación visual en el diseño –ya sea impreso o digital– se sitúa en el ámbito de una comunicación intencional. Puesto que los componentes empleados en el soporte visual para generar un mensaje están fundamentados en el público al que va dirigido y en el tipo de publicación que se desea crear, por lo que a partir de dichos fundamentos se elegirán la tipografía, la maquetación, las imágenes empleadas, los colores, entre otros elementos visuales que se pueden utilizar.

Por lo tanto, la elección de una determinada tipografía para una publicación se basa en la personalidad que se desea transmitir al lector (a partir de sus rasgos estéticos), dado que dichos rasgos apoyan el estilo de la publicación. Las características estéticas de la tipografía se pueden analizar por las siguientes características: textura, estructura, módulo y movimiento.

• La textura de una tipografía puede ser de origen orgánica o geométrica.
• La estructura es la variación del espacio en que está constituida, como el ancho y el alto de los rasgos.
• El módulo es la unidad en que se encuentra circunscrita y su repetición conforma toda la estructura.
• El movimiento se determina por la variedad de sus trazos, pueden ser estáticos o dinámicos.

De acuerdo con lo anterior, he seleccionado algunos ejemplos de publicaciones que solamente utilizan la tipografía como parte fundamental de su diseño. Por lo que su personalidad y proyección en la publicación son fundamentales para el mensaje que transmiten:

• ESCANER CULTURAL (Revista cultural de arte contemporáneo y nuevas tendencias)
• we love typography (proyectos)
• Andrej Waldegg. Grafik Inc. (proyectos)
• {non} TYPE (proyectos)
• Francesco Mugnai (trabajos)
• Niels Fyrst (trabajos)
• Bembos’zoo (tipografía lúdica)

En la actualidad se han desarrollado reglas específicas para el diseño editorial en web, ya que el medio no permitió usar las que se aplicaban a los impresos.

No obstante, al ser un medio que se transforma tan rápido, me hace preguntarme: ¿cuál será el futuro del diseño editorial en el medio digital?

Está claro que los principios editoriales en las páginas web se basaron mucho en los impresos. Sin embargo, como se ha dicho, el medio no permite usar todas las reglas para diseño impreso. Por ejemplo, la legibilidad que uno espera encontrar usando cualquier tipografía no es posible debido a las características del píxel del monitor, por lo que nos enfrentamos limitados al experimentar con tipografías en la web. Cabe resaltar que se han generado nuevas tipografías exclusivamente para monitor. Otro ejemplo, es que ya no es necesario utilizar múltiples columnas para un artículo ya que se dispone de un scroll para poder leer un texto muy largo. Por lo mismo, el diseño esta limitado respecto al uso de un formato horizontal. Pero ahora con el desarrollo del e-book podríamos empezar a ver otras posibilidades de formato, como lo hizo la revista Esquire en una cubierta que realizó con e-ink conmemorando su 75 aniversario. Esto lo podemos ver en un video donde la aplicación de este medio en el diseño puede cambiar, en la cubierta se resaltan las palabras y hasta se puede ver una animación sencilla de un carro en el interior. Lo cual nos hace ver todo un mundo de posibilidades para diseñar en e-link. Siempre había pensado que la escena donde sale un periódico en la película de Harry Potter sería buenísimo que existiera y hoy lo vemos en vivo y a todo color.

Sin embargo, antes de empezar a diseñar para este nuevo medio hay que considerar las reglas que ya se han planteado para un medio digital, las cuales han sido expuestas en distintas páginas y blogs. A continuación haré un resumen de lo que aconsejan:

1. Aprovechar las ventajas de usar CSS para interlineados e interletrados
2. No utilizar cajas de textos muy amplios, se recomienda usar entre 12 a 15 palabras por línea
3. Los espacios blancos son muy importantes para una lectura fluida, es decir, dejarle el espacio suficiente entre las letras, palabras e imágenes
4. No usar muchas familias tipográficas, se recomienda usar sólo 2 familias para destacar los textos
5. Limitar el uso de columnas, no es lo mismo que en impresos
6. Usar jerarquías de tamaños tipográficos para destacar los títulos, subtítulos, pie de fotos o textos; algunos no recomienda usar muchos colores para destacar
7. Cuidar que el color de la tipografía no se pelee visualmente con el color del fondo y si el fondo tiene mucha textura se debe usar un color plano en la caja de texto
8. Cuidar que el diseño tipográfico no se rompa por los distintos tamaños de monitor
9. Preferentemente usar tipografías san-serif (sin patines) para textos largos
10. Las tipografías san serif sin antialias se leen mejor cuando usas tamaños de texto muy pequeñas
11. El espacio del interletrado de la Verdana o Georgia es mucho mejor que la Times New Roman o la Helvetica, es decir, no hacen que se peguen entre si las i, j y l con el texto
12. La tipografías Verdana, Georgia y Trebuchet fueron creadas para pantalla por lo que usan tamaños que se adecuan mejor al píxel del monitor

Si requieren de más información están estos vínculos que los pueden ayudar:

5 Simple Ways to Improve Web Typography

10 Web Typography Rules Every Designer Should Know

Plastic Logic E-Newspaper, el fin del papel cada vez más cerca

Plastic Logic y la tinta electrónica en Esquire

Rival to Amazon Kindle Finds Partners

Reglas de medir en pantalla para diseñadores

Legibilidad y comprensión en la Web